本篇原文刊登處：典藏 ARTouch
Artist/Operator/Co-Creator: Peng Yi- Hsuan, Zit-Dim, Tu Xing, and His Art
本次專訪將沿著彭奕軒的創作脈絡討論起，連結他在經營「節點」與「土星」的歷程思考，梳理這位90後世代斜槓青年的藝術實踐，在創作者／經營者／協作者三個身分游移間，所創造出獨特的創作方法和空間經營模式。
彭奕軒可說是今年上半年展出頻率最高的藝術家，從2月至5月皆有不同的系列作品展出：年初入選首屆「中國信託當代繪畫獎」、3月於高雄舉行「This is the way」個展、4月在台北商場內的髮廊發表「綠洲樣態」個展、5月則參與瑞銀集團「藝企做愛心」計畫，新作於「2022台北當代藝術博覽會」中呈現。創作媒材橫跨白板畫、現成物、數位影像等，展出場域包括美術館、替代空間、藝博會，甚至到百貨公司。
創作的多元樣態也回應到彭奕軒的斜槓身份上，他除了是專業藝術家，也在台南發起成立獨立藝術空間「節點藝術空間」（Zit-Dim Art Space，簡稱「節點」），與多位藝術家成員共同經營，並和身為陶藝藝術家的妻子黃虹毓一起成立「Tu Xing／土星」陶藝工作室（簡稱「土星」）。本次專訪將沿著彭奕軒的創作脈絡討論起，連結他在經營「節點」與「土星」的歷程思考，梳理這位90後世代斜槓青年的藝術實踐，在創作者／經營者／協作者三個身分游移間，所創造出獨特的創作方法和空間經營模式。
彭奕軒，「非永久性的標記」展場一隅，上海A+ Contemporary亞洲當代藝術空間，2016。（藝術家提供）
奠定風格的非永久性白板畫
談及創作者身分的彭奕軒，多會想到奠定他創作風格的白板畫系列。年初他也以作品《非永久性的標記》（2019）入選首屆「中國信託當代繪畫獎」，在關渡美術館進行聯合展出。回想起這個曾讓他入選「2015臺北美術獎」的作品，當時才25歲的他，將小時候求學過程中不可或缺的白板作為創作介面，內容上選取從有記憶以來印象深刻的新聞影像，以1996年賀伯颱風作為起點，逐年選定一個重大事件進行描繪。
作品中藉由藝術家的個人史觀，重新編排大眾媒體所建構出的新聞事件，白板畫稍縱即逝的特質，指涉著個人記憶的不穩定性、災難現場的不安定狀態，以及藉由媒體傳播人類非親身經歷災難的碎片化經驗。彭奕軒在標記這些新聞片段的同時，也反思影像世代所沉浸的快速流動媒介環境。
彭奕軒，《非永久性的標記》，「2015台北美術獎」展覽現場，2015。（藝術家提供）
彭奕軒，《非永久性的標記》（局部），白板筆、水平移動白板，120×400×12 cm，2018。（藝術家提供）
對現成物進行考現學式考察及延伸
過往彭奕軒在使用現成物創作時帶有考現學（modernologio）視角，針對創作媒材進行歷史考察。他提到最早白板的雛形是戰後用於電話記錄的小鋼板，後來日本研發出可擦拭的麥克筆，進而將鋼板進行烤漆、放大，成為能夠重複記事使用的介面，卻又因商業考量研發出擦拭不全會留下「鬼影」，具消耗性的白板商品；1990年代，白板開始大量引進台灣的教學現場，進而取代易造成大量粉塵的粉筆、黑板，帶有衛生進步的象徵，且與電腦和網際網路在台普及的時間差不多——白板與數位系統在製造資訊的狀態相仿，皆能快速生產卻又能瞬間歸零。這也是多數90後台灣人接收資訊的方式。
除了回顧白板的歷史，彭奕軒也透過當代科技拓展開白板畫的創作方法，嘗試使用數位白板、白板機器人等技術協力，進行不同系列的延伸。今年4月，彭奕軒與「EQUAL = 等號」品牌聯名合作推出「綠洲樣態」個展，就是他藉版畫的反轉概念應用，將白板本質的鋼板鋪上藍色PE塑膠膜，再以筆刀刮除圖像部份，呈現出宛如海市蜃樓的景象。此系列進駐於百貨公司內的時尚髮廊中，穿插在鏡面之間，交疊出正／負、虛／實多層的視覺感受。
彭奕軒，彭奕軒 X EQUAL = 等號™︎ ©，「綠洲樣態」展場一隅，樂酷樂色研所，2022。（藝術家提供）
白板災難畫擴展為比喻疫情的場景
近年來彭奕軒經歷母親中風、前往日本秋吉台國際藝術村（Akiyoshidai International Art Village，AIAV）駐村，以及在國外新型冠狀病毒疫情突如其來等巨變的社會情境，體會到生命的各種無常。於是，藝術家將白板畫框內所描繪的災難畫延伸成「《連結》 Link（災難資料庫）」（2020）系列創作，從平面擴展成疫情下的災難場景，在「2020年臺灣美術雙年展—禽獸不如」中部署了宛如洞穴的暗房，當中置放《死亡之光：七七四十九》、《太陽曬過的味道》與《連結》三組作品進行串接。
《死亡之光：七七四十九》以7×7規格放置49座捕蚊燈，彷彿在墓園中豎立起墓碑，觀眾就像是趨光的昆蟲，直視著死亡；《太陽曬過的味道》與《連結》分別由紫外線殺菌裝置與遠端遙控的白板機器人輪流運作，形成一個「創造無塵—製造粉塵」徒勞的循環，反映出病毒肆虐下採取各式防疫手段的社會情境，數位白板上的影像生成則描繪出疫情下人類的生存狀態。當中可以看見彭奕軒將現成物原有的使用脈絡去除，以它們作為「喻體」，在疫情時空裡找到「喻依」，在展場內創建出充滿災難比喻的場景。
彭奕軒，《死亡之光：七七四十九》，「2020年臺灣美術雙年展—禽獸不如」展覽現場，國立臺灣美術館，2020。（藝術家提供）
彭奕軒，《死亡之光2020》，「藍色警報 // Code Blue」展覽現場，台北當代藝術中心，2020。（藝術家提供）
連結作為創作策略與作品形式
從上述的創作歷程，可以發現彭奕軒作品中的幾個關注：現成物挪用、標記災難事件，以及近期開啟的連結策略。這個「連結」的意義是經過時間積累而產生，包括使用白板進行歷年災難的描繪，並將其檔案化形成一個災難資料庫。這個「連結」也呈現在作品形式上，透過積少成多、多點組構形成視覺上「數大便是美」的奇觀想像。
彭奕軒，《連結》，「2020年臺灣美術雙年展—禽獸不如」，國立臺灣美術館，2020。（藝術家提供）
今年3月，彭奕軒在高雄櫥窗展示空間「正白#ffffff」展出「This is the way」個展，作為此空間新開幕的第一檔展覽。他邀集空間前身「鹽埕黑白切」歷年展出的77位藝術家繪製「點—線」草圖，在展場中透過透明塑膠管為線、蘭花夾為點、海綿磚為面，以植栽的嫁接作為行動，由點成線、由磚成牆實體化在展場中，將「鹽埕黑白切」過去的線性歷史進行可視化。
彭奕軒透過藝術家草圖創造出77幅帶有自動性繪畫（automatism）的數位影像，在空間官網上進行線上販售。他也與經營者李杰恩及丸子共同討論，將「This is the way」定為空間「接龍計畫」的起點，後續展覽安排就由前一檔藝術家邀請下一位創作者，擴張出「正白#ffffff」空間的人際網絡，給予這個新生空間一個承先啟後的祝福。
彭奕軒，「This is the way」展場一隅，正白#ffffff，2022。（藝術家提供）
彭奕軒，「This is the way」展場現場，正白#ffffff，2022。（藝術家提供）
與過海的香港藝術家合開空間：「節點」
彭奕軒以連結作為策略的創作轉向，最為直接的影響就在這幾年他經營藝術空間的思考轉換上。如果要標記彭奕軒人生的重要節點，2019年可說是最關鍵的一年——他下定決心在台南經營「節點」與「土星」兩個性質相當不同的空間，就此踏上創作者／協作者／經營者的斜槓生涯。
「節點」的設立源起於前幾年彭奕軒的白板畫系列被畫廊相中，在香港、中國數個藝術博覽會進行展售。從中他認識到香港藝術家楊沛鏗，2018年在好友牽線下，又認識同樣來自香港的攝影藝術家何兆南。當時在兩岸互通方便的情況下，對方提出了在台南合作開設具駐村功能的獨立藝術空間之想法，期望在面對香港高度商業與城市化的生活中，尋求一個駐留創作、休息放空的地方，並且與台灣藝術家成員進行深度的交流與合作，將其取名為「過海的．藝術計畫」。
這個計畫背後其實來自香港藝術市場的支撐，許多香港藝術家都與藏家保持著朋友般的關係，他們在創作前都會提出相關計畫給予藏家參考，以進一步資助。「過海的．藝術計畫」中除了有實際作品的產出，當中還配套了台港藝術資源的調研、台南文化觀光串連、兩地社群交流等特殊項目，皆受到香港藏家的支持。前期「節點」空間的租金由香港藝術家群支付，台灣與澳門成員則以會員邀請制組成，繳交的年費負責空間硬體增添、實際營運上的支出。
節點，「沸．點解（港台小誌連線展）」展覽現場，2019。（彭奕軒提供）
「節點」第一檔展覽「自介」由台港澳三地成員共同展出，開幕於2019年1月27日，同天在幾步之遙外的臺南市美術館也盛大開幕，翻開台南當代藝術新的一頁。目前空間邁入第三年，可以看見開頭前兩年以「過海的．藝術計畫」開展出三地藝術家的個展與聯展，還有多個香港藝術交流活動，包括港台小誌連線、香港策展人兼藝術家議員羅偉珊與張嘉莉來台講座等。
在反送中運動期間，「節點」外牆立面懸掛上「罷工—支持香港反送中」之布條，兩地藝術家也密集連線。無奈因為香港社會環境的丕變，加上後續全球疫情的影響，「過海的．藝術計畫」目前暫時中斷，這也意味著空間剛開始以台港交流為主軸的空間經營，以及相關資源挹注都得中斷。
節點，「政治歸政治？苓膏龜苓膏—香港策展人兼藝術家議員首次來臺座談分享」講座現場，2019年12月29日。（彭奕軒提供）
在反送中運動期間，「節點」外牆立面懸掛上「罷工—支持香港反送中」之布條，兩地藝術家也密集連線。（彭奕軒提供）
高度彈性與個體化的經營模式
不同於多數替代空間仰賴公部門補助營運，「節點」目前仍以年度會員費作為主要收入，並持續擴張台灣本地的新進會員。彭奕軒提到關於補助系統的反思，他發現目前台灣的替代空間依賴公部門經費而逐漸機構化，在年度營運補助的框限下，多半無法即時反映議題，很多甚至只能靠邀請藝術家的展覽回應，使空間逐漸淪為附屬。他指出，在目前社會環境變動加速的情況下，無法再用時間軸（半年、一年）來思考議題。
因此在「節點」的相關子計畫中，可看見不受補助框限下的高度彈性與實驗。其中就以「節點臨時考」系列最具代表，這個計畫帶有「以工換宿」的概念，起初為聲音、行為、表演藝術家經過台南、借住「節點」時所產生的藝術交流活動，同時期望能累加空間展演的可能性以及隨機性。在去年疫情升級時，空間成員就邀請多位藝術家以直播方式進行即時線上展演；而如果從展覽面看，今年「節點」也與「Art Tainan 台南藝術博覽會」合作衛星展，成員們以「說走就走」的行動模式一同前往山上進行寫生，並在藝博會舉行的週末，於空間進行「你有多久沒寫生了？」快閃展出。
除了展演高度彈性，「節點」後台的行政程序也是如此。在沒有空間行政與主要經營者的狀況下，成員間各司其職，也因為藝術家們都有斜槓身分，每次討論中大家都相當有默契，皆能在兩個小時內做出結論、找到共識。不同於過去許多替代空間由多個世代組成而有輩份差異，又或是相處模式建立在長時間的交陪，「節點」走出新世代更為個體化的經營模式。
節點在疫情期間，自行發起的帶狀線上活動「節點破口」，在週五的晚上不定期用線上直播的方式，分享聲音創作者或行為藝術家的作品；圖為「節點破口 vol.3」宣傳。（彭奕軒提供）
在藝術陶與實用陶之間走出折衷路線：「土星」
2018年彭奕軒在尋覓「節點」的地點時，同時也正忙著與太太黃虹毓尋找「土星」陶藝工作室的場址。「土星」目前坐落在遠離台南市中心的安南區，2021年以「土星實驗室Soil Lab」品牌進駐林百貨。當初兩人決定落居在台南開設工作室，原因是北部的陶藝生態多以一次性顧客為主，創作者很快落入衝寄售、買賣、短期課程的量，為求生存而把創作擺在後方的快速商業模式，反而造成自我消耗；相對於此，台南因為歷史發展而有一定的陶藝社群，加上顧客特性更能長期經營，以及在物價與房價上，能夠支撐起更大的空間與硬體設備，進一步建置更完善的學徒制度，培養學院外的創作者。
「土星實驗室Soil Lab」品牌2021年進駐林百貨。（彭奕軒提供）
「土星」期望在純藝術創作陶與商業實用陶之間走出一條折衷的路線，將陶藝當代性提煉出來，並為工作室進行精緻化的提升。（彭奕軒提供）
對於「土星」的定位，兩人有感於觀光化的陶藝工作室（如景點常見的手拉坏體驗）已經過於飽和，且工藝領域相當仰賴傳統規則或是專家說法，他們期望「土星」能去除框架與權力限制，在純藝術創作陶與商業實用陶之間走出一條折衷的路線，將陶藝當代性提煉出來，並為工作室進行精緻化的提升。「土星」除了有傳統陶藝工作室的委託製作、工作坊、藝品販售外，還開發了「原土計畫」與「協作計畫」兩個相當特殊的專案，皆是彭奕軒陪同黃虹毓前往荷蘭歐洲陶瓷研究中心（Sundaymorning@ekwc）駐村時所參考到的制度。
「原土計畫」是以台灣各地的土質進行採集研究，進一步數據化分析，未來將建構出檔案庫提供不同創作者參考。另也透過土壤的挖掘能連結到台灣地方的內在性與歷史故事，期待能成立台灣的「土壤圖書館」；「協作計畫」則以西方工藝駐村系統中都協作者角色作為基礎，當工藝師或是藝術家在進行創作時，協作者不僅會提供技術支援，也會為創作者進行記錄與歸檔，提供給後來者參考，而藝術家突破框架的思考也能促成工藝技術面上的進展。
土星「協作計畫vol. 2」 陳漢聲作品。（彭奕軒提供）
土星「協作計畫vol. 3」 劉致宏作品。（彭奕軒提供）
協作、連結、聯名到永續
目前「土星」已經協作超過十多檔展覽，合作的藝術家都不是陶藝創作者，而是希望在作品中採用陶瓷媒材或是陶藝造形進行呈現，除了開展出當代藝術與工藝跨界的不同維度，也透過藝術家將「土星」這個品牌傳播到不同的地方。工藝中的協作、創作裡的連結，又或是在藝術市場與空間管理上的聯名，這些策略都交織在這位創作者／經營者／協作者斜槓藝文工作者彭奕軒身上，跨領域的思維促使他創造出多元的藝術作品與機制建置。
專訪的最後，彭奕軒提到台南過去許多替代空間的經營者都兼具藝術家的身分，卻被行政庶務犧牲創作意念，也常常因為空間結束後，帶來生態的巨大轉變。過去身為創作者的他也都習慣獨立作業，但在與夥伴們成立空間後，更懂得將想法進行溝通、將工作進行分工，以及對外進行連結。他認為未來最好的替代空間經營狀態是建構出機制，而不該押注在一個人身上，即使主導者抽身，系統跟經驗還能有所延續。而這也是他積極建置檔案庫、資料庫的原因，永續性成為他下一步的思考。
彭奕軒（前）與「節點臨時考 visual diary vol. 3」藝術家演後合照。（彭奕軒提供）
本篇原文刊登處：典藏 ARTouch
作者 王振愷
現居臺南永康，《大井頭放電影：臺南全美戲院》、《大井頭畫海報：顏振發與電影手繪看板》作者，現任臺灣影評人協會理事。長期從事南方藝文、電影與當代藝術的獨立研究與評論書寫，並關注書寫與影像間的跨媒介，實踐一種獨特的策展方法。個人網站：www.jkwang.art